Es gibt so viele Arten von abstrakter Kunst, und sie ist so vielfältig, weil in ihr fast jede Formänderung einen ganz neuen Stil hervorbringt. Wie kann ein kunstferner Mensch all dies verstehen – und vor allem – verstehen, warum die Abstraktion erfunden wurde und warum es sie gibt?
Warum ist abstrakte Kunst entstanden?
Generell ist anzumerken, dass Abstraktion nicht gerade eine Erfindung unserer Zeit ist. Die Kunst der Steinzeit ist voller Abstraktionen (geheimnisvolle Kreise, Quadrate, Dreiecke, deren wahre Bedeutung wir nur erahnen können). Abstrakte Figuren und der Figurenbegriff sind an sich die Entdeckung dieser Zeit. Die Geschichte kennt Kulturen, in denen die Abstraktion die einzige legale Möglichkeit war, künstlerische Ideen auszudrücken (Araber, Juden). Abstraktion war schon immer Seite an Seite mit realistischen und stilisierten Bildern in Ornamenten.
Künstler hatten immer weniger Lust, das wirkliche Leben darzustellen, denn man sollte nicht vergessen, um welche Epoche es sich handelte. Zwei Weltkriege und totalitäre Regime haben aus einer ehemals idyllischen Welt einen schrecklichen Anblick gemacht. Nun, wer wird Gänseblümchen und Moose darstellen, die in den Schützengräben sitzen? Als Ergebnis – eine vollständige Flucht aus der Realität in die Welt der reinen menschlichen Emotionen. Es sind sie (Emotionen), die Abstraktionisten darstellen.
Ein sensibler Mensch mit einer gewissen Denkweise kann beispielsweise verstehen, dass Rodkos spätere Bilder dem Betrachter ein Gefühl tiefer Traurigkeit einflößen sollen, während frühere auch Freude ausdrücken können. Denn Farben und Formen selbst werden von der menschlichen Psyche wahrgenommen. Nun, wer von uns verspürte keine Angst beim Anblick des blutroten Sonnenuntergangs oder fühlte keinen Frieden beim Anblick des türkisfarbenen Meeres und des klaren Himmels auf fernen Inseln? Farben und Formen haben eine unbewusste Suggestionskraft.
Abstrakte Kunstgeschichte
Die Abstraktion wurde gleichzeitig von einer Vielzahl von Meistern der Malerei und Bildhauerei erfunden. Lange Zeit galt eines von Kandinskys Gemälden als das allererste (heute ist dieser Standpunkt bereits widerlegt). In seiner Entwicklung ging Kandinsky von der fast obligatorischen „starken“ Schule des Impressionismus mit Elementen des Pointillismus zum ersten Künstler, der amorphe Figuren malte. Sein Frühwerk zeichnet sich durch eine besondere „Wildheit“ der Gefühle aus, Farben werden einfach auf die Leinwand gelegt.
In späteren Arbeiten tauchen einige nicht geometrische, aber dennoch Formen auf. Er interessiert sich für die Gestaltung in der Natur und schafft abstrakte Silhouetten von „Tieren“, die Wirbellosen ähneln. Seine besondere Liebe gilt jedoch Ust-Kuloma Spinnrädern, einem alten russischen Gemälde, das er auf einer Reise in die Region Wologda und in den Norden gesehen hat, was ihn dazu inspirierte, seine Karriere als Beamter zu beenden und sich der Kunst zu widmen.
Die geometrische Abstraktion geht auf die Vereinfachung von Picassos System zurück. Er malte kubistische Formen, die Objekte zu geometrischen Kristallen zermalmten. Die spätere Realität wurde nicht mehr benötigt. Sogar im vorrevolutionären Russland manifestierte sich das Werk der geometrischen Abstraktionisten Malewitsch und El Lissitzky, die Kompositionen aus geometrischen Figuren schufen, deutlich. Zur gleichen Zeit entwickelten Larionov und Goncharova eine Methode zum Zeichnen abstrakter und halbabstrakter Formen aus Strahlen, und Robert Delaunay und seine russische Frau Sonya schufen ein System zur Lichtübertragung, ähnlich einem Kaleidoskop aus konzentrischen Kreisen.
Die geometrische Abstraktion ging nach dem Ersten Weltkrieg in Holland eigene Wege. Piet Mondrian schuf eine Möglichkeit, die Fläche in farblose und mit Primärfarben (Blau, Gelb und Rot) gefüllte Rechtecke zu unterteilen, und sein ehemaliger Freund und späterer Rivale Van Doesburg drehte dieses Raster diagonal. Mondrians Neoplastizismus, Larionows Rayonismus, Malewitschs Suprematismus und Kandinskys Abstraktionen waren der erste Abstraktionismus, der früh auftauchte, aber lange Zeit nicht erkannt wurde.
Erst im letzten Jahrzehnt vor dem Zweiten Weltkrieg blühte die Abstraktion auf. Bezeichnenderweise galt in der UdSSR bereits während der NEP der Avantgarde-Künstler Chagall als obsolet. Die Kunst entwickelte sich sehr schnell und verlangte ständig nach neuen Formen. Diese Kunst fand ihren Ausdruck in der Gestaltung von Tribünen für die Führer der Revolution, in Mondrian-Cafés und Wohnhäusern, in der Ästhetik des Bauhauses und in Melnikovs Architektur.
Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg
Nach dem Sieg konnten sich Künstler, die zuletzt unter der deutschen Besatzung gelitten hatten, die die europäische Avantgarde zerstörte, und insbesondere Künstler in Deutschland selbst, lange nicht erholen. Zum ersten Mal in der Weltgeschichte wurde der Staffelstab der Weltkunst von Amerika übernommen. Der Künstler Jackson Pollock in den USA verband die Kunst des Surrealismus, des Expressionismus und der Abstraktion auf sehr interessante Weise und schuf den abstrakten Expressionismus, bei dem der Künstler improvisieren muss, indem er Farbe auf die Leinwand in Übereinstimmung mit seinem Unterbewusstsein gießt (ein Gedanke, der dem Philosophen und Psychiater Freud).
Bald blühte die Abstraktion auf beiden Seiten des Ozeans auf. In den 1950er und 1960er Jahren wurden interessante Experimente mit der Abstraktion fortgesetzt. Einige, wie Frank Stella, verwenden harte Linien, lokalisierte glatte Farben und eine geformte Leinwand. Jemand wie Rothko spezialisiert sich auf reine Empfindungen, indem er die Leinwand in strukturierte und einfache ungleichmäßige Rechtecke unterteilt, und jemand geht in die Monochromie über und erschafft Gemälde, die auf einer einzigen Farbe basieren. In der Arbeit der Abstraktionisten der Nachkriegszeit gibt es im Laufe der Zeit eine Tendenz, der Leinwand eine dritte Dimension zu verleihen (zum Beispiel wurde die Leinwand geschnitten und durchbrochen).
Als Antwort auf die völlige Irrationalität von Pollock erscheint der Minimalismus, also ein Stil, in dem es Strukturen aus Metall, Neonlampen und Haushaltsgegenstände gibt, die für andere Abstraktionen nicht typisch sind. Auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges hat die Generation von Andy Warhol die obsessive Raffinesse der Abstraktionisten bereits satt und kreiert einen extrem einfachen und ziemlich realistischen Pop-Art-Stil.
Um sie zu verstehen, musste man kein Philosoph oder Experte mehr sein. Es wurde auf Dingen aufgebaut, die sich jeder leisten konnte (Fast Food, Werbung, Filme, Prominente). Die Aufregung um die reine Abstraktion lässt nach. Später nimmt die Abstraktion neue Formen an, die an die moderne abstrakte Computergrafik (Op-Art, Begründer des Vasarelli-Stils) erinnern. Heute existiert die Abstraktion in verschiedenen Formen und integriert sich in die Kunst der Postmoderne und der darauf folgenden Metamoderne.
Die Kunst der Abstraktion wird von den wenigsten wirklich wahrgenommen, und nur wenige können ihre Qualität beurteilen. Aber er ist, wie alle anderen Stilrichtungen und Strömungen, nicht zufällig entstanden, sondern im Dialog mit seiner Zeit, die im Fall der Abstraktion verrückt, sehr leidend und zugleich innovativ war.
